Cómo leer una partitura

En su forma más simple, la música es un lenguaje como si leyeras un libro en voz alta. Los símbolos que ves en las páginas de las partituras se han utilizado durante cientos de años. Representan el tono, la velocidad y el ritmo de la canción que transmiten, así como la expresión y las técnicas utilizadas por un músico para tocar la pieza. Piensa en las notas como letras, las medidas como palabras, las frases como oraciones, etc. ¡Aprender a leer música realmente abre un mundo completamente nuevo para explorar!

Paso 1: Aprende los símbolos básicos de la notación musical

La música se compone de una variedad de símbolos, los más básicos son el pentagrama, las claves y las notas. Toda la música contiene estos componentes fundamentales, y para aprender a leer música, primero debe familiarizarse con estos conceptos básicos.

  • El pentagrama
    El pentagrama consta de cinco líneas y cuatro espacios. Cada una de esas líneas y cada uno de esos espacios representa una letra diferente, que a su vez representa una nota. Las notas de la partitura, representadas por líneas y espacios, se denominan AG, y la secuencia de notas se mueve alfabéticamente hacia arriba en el pentagrama.
  • Las claves
    Hay dos claves principales con las que familiarizarse; la primera es una clave de sol. La clave de sol tiene la letra G ornamental en el extremo izquierdo. Esta clave anota los registros más altos de la música, por lo que si tu instrumento tiene un tono más alto, como una flauta, un violín o un saxofón, su partitura se escribe en la clave de sol. Las notas más altas en un teclado también se escriben con esta clave.
    La línea entre los dos puntos de la clave de fa es la línea «F» en el pentagrama de la clave de fa. Esta clave marca los registros más bajos de la música, por lo que si tu instrumento tiene un tono más bajo, como un fagot, una tuba o un violonchelo, su partitura está escrita en clave de fa.
  • Las notas
    Las notas colocadas en el pentagrama nos dicen qué letra de nota tocar en nuestro instrumento y cuánto tiempo tocarlo. Hay tres partes de cada nota, la cabeza de la nota , la plica y la bandera .

Paso 2: Toma el ritmo

Para reproducir música, debe conocer su compás , el ritmo que utiliza al bailar, aplaudir o dar golpecitos con el pie junto con una canción. Al leer música, el metro se presenta similar a una fracción, con un número superior y un número inferior. A esto lo llamamos el compás de la canción.

Paso 3: Toca una melodía

A continuación, veamos las escalas . Una escala está formada por ocho notas consecutivas. Por ejemplo, la escala de do mayor se compone de do, re, mi, fa, sol, la, si, do. El intervalo entre la primera nota de la escala de do mayor y la última es un ejemplo de octava . Recomendamos practicar la escala de Do mayor tanto como sea posible, ya que conocerla facilita el aprendizaje de las demás escalas mayores. Cada una de las notas de la escala de do mayor se corresponde con una tecla blanca de tu teclado. 

Una melodía para cada ocasión

No somos conscientes de ello, pero cada faceta de nuestra vida podemos relacionarla con una melodía. Es esa la razón de que a veces, cuando escuchamos ciertos sonidos, notas o canciones, evocamos rápidamente una situación de la que ni siquiera teníamos un recuerdo vívido; y, sin embargo, de repente somos capaces de rememorarla casi al milímetro, solo porque tenemos asociados al oído un montón de experiencias vitales.

Lo suyo sería seleccionar la música que queremos darle a cada momento del día, cada día de nuestra vida. Pero, como comprenderás, eso es imposible; solo podemos controlar ciertos momentos, pero el resto vienen de improviso. Te diría más: hay veces en que ni siquiera somos conscientes de que hay sonido de fondo, sonido melódico, quiero decir. Estamos tan imbuidos en una actividad, tan concentrados y con los otros sentidos tan saturados, que no llegamos a notar los estímulos que nos están entrando a través del oído.

Una de esas situaciones, sin ir más lejos, podría ser cuando consumimos porno. Que oye, pensarás que eso es ir a saco, y que podría poner un ejemplo menos extremo. Podría decirte que otra situación es cuando follamos; pero claro, sí que tenemos cierto control en ese momento, podemos haber elegido poner música, ya sea para crear un ambiente romántico, incluso si ha sido un aquí te pillo, aquí te mato. Sin embargo, al acceder a una web porno, que es como normalmente accedemos a estos contenidos para adultos, no tenemos ningún control sobre ellos. Los videos xxx ya tienen su propia edición, y uno está demasiado estimulado visualmente, e incluso a través del tacto si es que te estás dando un homenaje en plan masturbación, como para notar si hay banda sonora de por medio, más allá de gemidos, palabras soeces y gritos de placer.

Porque, ¿hay realmente una música porno? Pues, aunque te parezca increíble de creer, se podría decir que sí. Hubo un tiempo en el que la industria pornográfica era un negocio boyante y en el que se cuidaban mucho más los detalles; por ende, la banda sonora de una película porno era una parte importante de la producción. A raíz de eso, se creo un estilo de música muy específico, con mezcla de ritmos funk, rock y heavy; seguro que lo recuerdas, ese que siempre asociamos con el porno vintage de los 80 y 90, cuando lo veíamos por tele codificada o alquilábamos cintas VHS en los videoclubs. Pero es que no solo se usó en el cine porno: a partir de entonces, estas melodías se relacionaban siempre con lo carnal y erótico, llegando incluso a usarse en publicidad. Te digo más: muchos artistas musicales llegaron a beber de ellas para dar a sus canciones un aire sensual o directamente provocativo, haciendo que llegaran a más público por su carga sexual; y todo esto, gracias a la música del porno.

Pero todo esto ha pasado a mejor vida. Con muy pocas excepciones, la industria pornográfica está y se alimenta de internet, donde se ha creado un contenido de barata producción y de rápido impacto que no puede perder tiempo y dinero en cuidar el tema musical. Por ejemplo, los videochats xxx o el porno amateur han dejado claro que triunfa lo básico con el cuidado mínimo; así, no hay productores que quieran arriesgar ni un céntimo para crear un producto que al competir con estos formatos no vayan a dar ningún beneficio. Algo razonable, por otra parte, pues como cualquier industria, la pornografía necesita financiarse y tener beneficios contables.

Esto era solo un ejemplo, pero me ha parecido el más representativo de lo que quería decir. Por otra parte, animo a no perdernos tanto en lo visual, y dar una oportunidad a nuestro sentido del oído para recrearnos en estas sensaciones y no dejarlas pasar tan inadvertidamente. Cualquier música forma parte de nuestra vida cotidiana, y poder disfrutarlo es uno de esos placeres a los que no debemos renunciar.

Diferentes estilos musicales

Estilo Barroco

Para su época, el barroco era loco y desinhibido. La música de este período es emotiva y llena de pequeños adornos que impactaron y asombraron a sus oyentes. El barroco a menudo tenía un ritmo rápido con un gran y rápido uso de las escalas y cambios violentos en el volumen y la melodía. Puede que hoy no lo consideres un tipo de música emocionante, pero si lo comparas con el estilo clásico, puedes decir de inmediato que el barroco tenía más acción en sus piezas. Algunos dicen que el compositor más grande de todos los tiempos escribió en este período: Johann Bach.

Estilo clásico

El arte y la cultura de la Grecia antigua siempre han sido amados y emulados por los artistas europeos. Esto es especialmente evidente en el estilo clásico (de ahí el nombre). El enfoque matemático de la música de Pitágoras y Aristóteles tuvo prioridad en este período. El objetivo de los compositores clásicos era lograr una música «perfecta». Es decir, música que fuera completamente perfecta desde el punto de vista técnico. Esta restricción condujo a una música muy conservadora, fuerte pero no realmente emocional. Así fue como fue la mayoría de la música de estilo clásico y cómo la compusieron los compositores (con la notable excepción de Beethoven). No te hagas una idea equivocada sobre esto; la música que nos dio Mozart es hermosa y conmovedora, y él era un compositor clásico nacido y criado. Conservador no significa aburrido. Hay muchos ejemplos notables del estilo clásico.

Estilo romántico

Esta fue una gran inversión del estilo clásico de música; La música romántica estaba repleta de emociones y no se preocupaba por las reglas clásicas. Se dice que Beethoven fue casi el único responsable de la transición del estilo clásico al romántico. Beethoven cerró la brecha infundiendo mucha emoción en sus obras posteriores y, sin embargo, manteniéndose dentro de los límites clásicos. Pronto la emoción desbordó los límites clásicos y nació el romanticismo. Hay muchos grandes compositores de esta era, incluidos Carl Maria von Weber, Fredric Chopin, Hector Berlioz y Johannes Brahms. La música romántica creó dos movimientos musicales más pequeños: la música sobre leyendas y la música nacionalista.

Música sobre leyendas

La narración de historias ha sido y es la principal directriz de muchos músicos. La música siempre ha sido un medio para retratar leyendas y mitos. En la música romántica esto no es diferente. Ha habido muchas composiciones que cuentan la historia de héroes (como el Rey Arturo) y demonios (especialmente Mefistófeles). Esta es solo la consecuencia lógica de los cantantes folclóricos y los juglares errantes que habían actuado desde la época de Beowulf. Wagner escribió muchas piezas sobre la base de una historia o un mito. Su famosa «Cabalgata de las valquirias» es un gran ejemplo.

Música nacionalista

El nacionalismo había sido una locura creciente después de la caída de Napoleón y la unificación de Alemania, y este nacionalismo que condujo a la Primera Guerra Mundial también condujo a algunas de las músicas más inspiradoras que existen. Compositores como Bedrich Smetana y Jan Sibelius escribieron música hermosa para alabar a sus países de origen. De hecho, Jan Sibelius es considerado un héroe nacional para el pueblo finlandés. Pero si hubiera un epítome de la música nacionalista sería Piotr Tchaikovsky, cuya música sobre Rusia definió el estilo de composición de un país durante casi un siglo.

Historia de la música prerrenacentista

Las primeras formas de música probablemente se basaban en tambores, siendo esos instrumentos de percusión los más fácilmente disponibles en ese momento (es decir, rocas, palos). Se cree que estos instrumentos, los más simples de los simples, se utilizaron en ceremonias religiosas como representaciones de animales. No había notación o escritura de este tipo de «música» y sus sonidos solo pueden extrapolarse de la música de los indios (sudamericanos) y los nativos africanos que aún se adhieren a algunas de las antiguas prácticas religiosas.

En cuanto a los instrumentos más avanzados, su evolución fue lenta y constante. Se sabe que hacia el 4000 a. C. los egipcios habían creado arpas y flautas, y hacia el 3500 a. C. se habían desarrollado las liras y los clarinetes de doble lengüeta.

En Dinamarca, hacia el 2500 a. C. se había desarrollado una forma temprana de trompeta. Esta trompeta es lo que ahora se conoce como una «trompeta natural». No tiene válvulas y depende completamente de la manipulación de los labios para cambiar el tono.

Uno de los instrumentos más populares hoy en día fue creado en 1500 a. C. por los hititas. Estoy hablando de la guitarra. Este fue un gran paso; el uso de trastes para cambiar el tono de una cuerda vibrante daría lugar a instrumentos posteriores como el violín y el clavicémbalo.

En el año 800 a. C. se encontró la primera pieza recuperada de música grabada. Estaba escrito en escritura cuneiforme y era un himno religioso. Cabe señalar que la escritura cuneiforme no es un tipo de notación musical.

Hacia el 700 a. C. hay registros de canciones que incluyen voces con instrumentos. Esto añadió una dimensión completamente nueva a la música: el acompañamiento.

Música en la Antigua Roma y Grecia

Grecia fue la raíz de todo el arte clásico, por lo que no es coincidencia que la música clásica tenga sus raíces en las innovaciones griegas. En el año 600 a. C., el famoso matemático Pitágoras analizó la música como ciencia y desarrolló la piedra angular de la música moderna: la escala de octava. La importancia de este evento es obvia. La música era una pasión de los griegos. Con su excedente de tiempo libre (gracias al trabajo esclavo) pudieron cultivar grandes habilidades artísticas. Las competencias de trompeta eran eventos comunes para espectadores en Grecia en el año 400 a. Fue en Grecia donde se colocaron los primeros ladrillos de los cimientos de la teoría musical. Aristóteles escribió científicamente sobre teoría musical y creó un método de notación en el año 350 a. La obra de ese genio todavía se estudia hoy.

El siguiente paso significativo en la evolución de la música lo dio Boecio. En 521 d.C. trajo el sistema griego de notación a Europa occidental, lo que permitió a los músicos escribir con precisión las canciones populares de sus tierras. Por cierto, fue Boecio quien primero escribió sobre la idea de la ópera.

La música en la Edad Media

La mayor parte de la música creada después de la caída de Roma fue encargada por la Iglesia. La religión católica tiene una larga historia de participación (para bien o para mal) con las artes musicales. En el año 600 EC, el Papa Gregorio mandó construir la Schola Cantarum. Esta fue la primera escuela de música en Europa.

Mientras tanto, en China, la música también estaba progresando: se informó que en 612 d.C. había orquestas con cientos de músicos que tocaban para las dinastías variadas. Aunque se desconoce la música específica de este período en China, el estilo distintivo que se supone que se desarrolló allí se refleja incluso en piezas orquestales asiáticas recientes.

En 650 d.C. se desarrolló un nuevo sistema de escritura musical utilizando «neumas» como notación para grupos de notas musicales.

144 años después de la construcción de la Schola Cantarum, se abrió una escuela de canto en el Monasterio de Fuda, alimentando el interés por la vocación musical. Y para el año 790 d. C., había fragmentos de la Schola Cantarum en París, Colonia y Metz. En el año 800 d.C., el gran unificador Carlomagno puso música a poemas y salmos. En 850 CE, los músicos católicos lograron un gran avance al inventar los «modos» de la iglesia. Estos modos se transformarían más tarde en las escalas mayor y menor de hoy. En 855 d.C., se grabó la primera pieza polifónica (2 melodías / voces no relacionadas a la vez), y en 1056 este estilo polifónico reemplazó a los cantos gregorianos como la música de elección (incluso después de que la Iglesia hizo que la música polifónica fuera «ilegal»; esta prohibición se levantó más tarde). En 980 d.C., se escribió el gran tomo Antiphononium Codex Montpellier.

En 1000 d.C. Guido D’Arezzo hizo muchas mejoras en la teoría musical. Primero mejoró y reelaboró ​​la notación estándar para que fuera más fácil de usar al agregar firmas de tiempo. Luego inventó el solfeo. Esta es la escala de notas vocales: do, re, mi, fa, so, la, ti, do. Esta innovación ha afectado a casi todos los vocalistas modernos.

En 1100 d.C., comenzó un nuevo movimiento secular. Esta separación de la Iglesia de la música fue transversal, y pronto esta nueva música «popular» fue menospreciada como pagana y casi blasfema.

El Renacimiento

En los albores del Renacimiento en 1465, la imprenta se utilizó por primera vez para imprimir música. Mediante el uso de una prensa, un compositor podía organizar sus piezas y sacar provecho de ellas con gran facilidad. En 1490, los escritos de Boecio sobre la ópera se volvieron a publicar en italiano.

Con el inicio del Renacimiento, las reglas de la música estaban a punto de cambiar drásticamente. Este fue el comienzo de una nueva era iluminada que mostraría algunas de las mentes musicales más grandes jamás producidas.

La historia de la música en este punto se cuenta mejor por los estilos que surgieron y los compositores que vivieron después del Renacimiento.